080 Barcelona Fashion culmina su 38º edición reafirmándose en que, frente a la sobreproducción y la tiranía del algoritmo, la moda puede ser un ensayo de las grandes cuestiones del momento: negociar la identidad, dinamitar las estructuras de género, buscar un refugio frente al desarraigo y la incertidumbre. Durante cuatro días, 26 diseñadores desplegaron sus propuestas sobre la pasarela y si en algo coincidían, a pesar de la variedad de temas (reflejo de la buena salud de la escena catalana), era en su voluntad de establecer un vínculo con las prendas, ya fuera desde la proximidad del tejido o desde la reinvención de los archivos.

Con un buen número de debutantes y el regreso de firmas incondicionales, el cartel de esta edición reunió a 080 Reborn, 404 Studio, Acceptance Letter, Aleixandri Studio, Antonio Acuario, Benavente, Bibencia, Boltad, Compte Spain, Crypta, Custo Barcelona, David Catalán, Dominnico, Escorpion, Gau, Guillermina Baeza, Inma Linares, L’AMAR, Louis Gabriel Nouchi, Nathalie Chandler, O’Barret, Outsiders Division, Pat Equilux, SKFK, Sohuman y Surkana. Nombres que siguen consolidando una pasarela cada vez más internacional.

080 Reborn fue la encargada de inaugurar la edición con NÒMADE, la quinta entrega de este proyecto impulsado por la pasarela con la colaboración de la Agència de Residus de Catalunya y Girbau LAB. Dirigida creativamente por Fermín & Gilles, la colección reivindicó el potencial de las prendas reutilizadas y el suprarreciclaje, planteando la ropa como un objeto en constante transformación, capaz de adquirir nuevos significados según sus usos, los contextos en los que se mueve y las historias que acumula con el paso del tiempo. Una forma de reivindicar la circularidad que invita a mirar el armario con otros ojos y a entender que una prenda no agota sus posibilidades en su primer uso.

La moda como legado

Surkana debutaba en 080 Barcelona Fashion, pero detrás de esta firma barcelonesa hay una trayectoria de veinte años desde la que defienden la moda como una herramienta de descubrimiento y conexión. Conocida por su idilio con los diseños vitalistas, muy ligados a la fantasía del viaje, la marca eligió el huipil mexicano como hilo conductor. Símbolo de identidad y memoria indígena, la firma no incluyó ninguno en la colección, pero su esencia estaba decodificada en cada una de las propuestas: en siluetas cómodas y holgadas, en la apuesta por los tejidos naturales (como el lino, el algodón GOTS o la viscosa ECOVERO) y en una propuesta cromática que partía de la rusticidad de los tonos tierra y culminaba en estampados enérgicos y eléctricos.

SKFK también exploró las raíces de sus prendas. La pasarela se convirtió en un huerto vasco desde el que la firma reivindicó los oficios generacionales y los ritmos naturales de la tierra. Arima, que en euskera significa alma, era una colección alegre y original inspirada en el imaginario de la labranza. Desde lo literal, las berzas aparecían en pequeños detalles y crecían en estampados y accesorios coloristas, como bolsos y pendientes. En lo evocador, recuperaba los códigos de la ropa de trabajo de campo, con prendas de estilo mandilón, bolsillos funcionales o cinturones de faena; también había vestidos y faldas con texturas orgánicas, como nacidas directamente del campo. Una conexión que también se palpaba en los tejidos: fiel a su activismo ecológico, no faltaron los algodones orgánicos, las lanas responsables y los linos de texturas rústicas.

Oda a la corsetería

Las sillas dispuestas sobre la pasarela nos situaban entre las bambalinas de los salones de época, en ese momento ritual de la preparación. Guillermina Baeza volvió sobre sus archivos para llevar su maestría en el mundo de la corsetería a primera línea de playa. Vesper capturó esa intimidad y sensualidad en una propuesta de baño concebida casi de forma arquitectónica: las transparencias de tul, los estampados florales de archivo o trampantojos de encaje y terciopelo se entremezclaban con esenciales playeros, como los estampados de rayas y topos o los drapeados y volantes.

Dominnico se inspiró también en otra reina de la corsetería, la Madonna de los noventa, y trazó una propuesta urbana y sensual. Bajo el título de Supernova, la colección funcionó como un homenaje a la estética transgresora del Blond Ambition Tour, donde el traje de raya diplomática sacó su lado más sensual. Una propuesta nocturna y explosiva que convivía con corazas mini de cuero satinado, cazadoras deconstruidas y detalles utilitarios que coqueteaban con la feminidad del satén rosa y pistacho.

Arquitectura textil

Morphé fue un laboratorio de formas y volúmenes en el que Inma Linares exploró todo lo que se podía construir con un tejido. Alejada de las fórmulas predecibles del diseño de invitada, la creadora sevillana desplegó un repertorio de estructuras rígidas, con especial hincapié en las hombreras, que convivían con drapeados imprevistos, asimetrías radicales y pliegues minuciosos. Las transparencias texturizadas cobraban vida con el viento del puerto, mientras que una sobria paleta de tonos neutros, salpicada por destellos de lentejuelas estratégicas, terminaba de armar una propuesta teatral y rotunda que reivindicaba el valor del taller frente a la homogeneidad comercial.

También había algo escultórico en la propuesta (de tintes historicistas) de O’Barret. Para su debut, Alicia Jiménez Barreto experimentó con el tejido y construyó las prendas desde el cuerpo, moldeándolo con pliegues y trenzados que a veces servían de protección y otras de liberación. Soulstice exploró los procesos de transformación a los que se enfrentan las personas, y eso era lo que hacían sus prendas, en las que el satén cobraba todo el protagonismo, al igual que la manipulación artesanal.

Todo al punto

El cine y, en especial, el anime formaban parte de la identidad de 404 Studio. Para esta colección, su directora creativa, Anaïs Vauxcelles, tomó como referencia Paprika, la obra de Satoshi Kon que explora los límites entre el sueño y la realidad. ¿Cómo se tradujo en la pasarela? Contraponiendo ambos planos mediante el uso de colores hipersaturados frente a piezas opacas. Pero lo más interesante fue su dominio del punto. A través del tricot y el ganchillo, la firma estiró los hilos, introdujo calados estratégicos y deconstruyó las formas tradicionales para trasladar las distorsiones del subconsciente a la materia textil.

Pero si hablamos de punto, tenemos que hablar ESCORPION, que llevó su especialidad a otro nivel gracias a la introducción de nuevas técnicas de confección. La firma recurrió a maquinaria japonesa de alta precisión para obtener tejidos tan finos que evocaban la lencería e incorporó hilo de inox, prácticamente imperceptible a la vista, para dotar a las prendas de memoria y de una estructura de efecto arrugado y tridimensional. Conte d’Été nos propone alejarnos del turismo masivo para crear una propuesta de punto de inspiración rural, con prendas ligeras, superposiciones o flecos que aportaban movimiento y riqueza visual desde el minimalismo.

Moda lúdica

¿Puede la moda mejorar nuestra rutina? Para Custo Barcelona no existe mayor antídoto contra el aburrimiento. Unexpected fue el último capítulo de la trilogía con la que celebraba sus 30 años en la pasarela internacional. Tras su paso por Milán y Nueva York, el diseñador se reservó para Barcelona la entrega más extensa, compuesta por 71 looks. El brillo marcó el ritmo a través de un constante juego de transparencias, encajes y vestidos con aberturas asimétricas, combinados con chaquetas ligeras que fusionaban los tonos pastel con sus icónicos estampados gráficos.

Un espíritu similar recorría la propuesta de Nathalie Chandler, que entiende la moda desde un punto de vista lúdico y un tanto provocador. La diseñadora belga aparcó el cuero negro y las referencias al motociclismo de sus anteriores trabajos para trasladarse al imaginario de las gasolineras y los túneles de lavado de los años ochenta y noventa. De ahí nació una colección urbana y desenfadada, protagonizada por prendas de cuero de colores y denim desgastado. El brillo también tuvo su lugar, con flecos metalizados y faldas de lentejuelas cuyo movimiento evocaba las escobillas de un autolavado.

¿Pero tiene sentido del humor la moda? Acceptance Letter adoptó el uniforme del bufón, único capaz de burlarse en la cara del poder, para poner fin al aburrimiento monocromático (y elitista) en el que nos había sumido el lujo silencioso. The Jester’s Prayer exploró los límites entre la indumentaria, la clase social y la autoridad. Jeakyong Sim encontró en el vestuario de los bufones de corte y en I Clowns (1970), la película de Federico Fellini, dos referencias para construir un imaginario donde convivían lo absurdo, lo melancólico y lo subversivo. El diseñador trasladó esos códigos a prendas esenciales, jugando con las superposiciones, las acumulaciones y las combinaciones inesperadas. Una propuesta que reivindicaba el humor no solo como gesto de irreverencia, sino también como una forma de supervivencia.

Outsiders Division también encontró en la provocación y el humor una forma de cuestionar las convenciones. En Groomed and Horny, David Méndez Alonso se adentró en ese territorio incierto de la adolescencia en el que el cuerpo, el deseo y la identidad empiezan a reclamar su espacio. Los códigos visuales de los sex clubs se filtraron en una propuesta de siluetas ajustadas y gráficos provocadores, atravesada por el imaginario irreverente de la firma.

Tejidos narrativos

Antonio Acuario tiene una capacidad única para contar historias a través de los tejidos. En Momento IV, el diseñador ahonda en ese instante en el que dejamos de escondernos tras una coraza para abrirnos al exterior. La idea tomó forma en siluetas que parecían buscar refugio en estructuras rígidas, construidas mediante la deconstrucción y el upcycling. Pero, a medida que avanzaba la colección, esas capas empezaban a desprenderse y la lana fría cedía el protagonismo a tejidos más fluidos, ligeros y translúcidos, hasta dejar el cuerpo al descubierto.

Para homenajear a Julieta, la heroína romántica y trágica de Shakespeare, Bibencia también recurrió a la narrativa de los tejidos suntuosos y las siluetas historicistas. Roberto Montes rescató el mito sin caer en el disfraz de época, en una colección donde el romanticismo trágico se tradujo en terciopelos, sedas, corsetería revisada, volúmenes dramáticos y cuellos marcados. Códigos que remiten a otro tiempo, pero que el diseñador lleva a su terreno mediante patrones contemporáneos y una construcción que esquiva la literalidad del vestuario histórico.

Barroco futurista

Paco Benavente volvió a demostrar lo bien que se le da la sastrería y el patronaje en Nomeolvides, una colección de evocaciones dieciochescas que miraba a la memoria y al paso del tiempo a través de las casas abandonadas. El diseñador valenciano encontró la inspiración en los papeles pintados y las paredes desconchadas de estas viviendas para trasladar esa imagen a las prendas mediante una superposición de texturas y colores. Para ello, recuperó tejidos de colecciones anteriores y los incorporó a nuevas piezas a través del upcycling.

En una línea que también desafiaba las barreras temporales, GAU cruzó el exceso barroco con la estética futurista en Glitch. Sergio Gau mezcló referencias históricas e imaginario tecnológico en una colección de volúmenes rotundos, texturas y siluetas dramáticas que parecían llegadas de otra época, o quizá de un futuro incierto. Había algo de neobarroco en esa apuesta por la ornamentación, pero también un interés por la distorsión y el error digital, como si las prendas surgieran del choque entre dos universos.

Lo bello y lo espeluznante

Compte Spain se adentró en el lado más oscuro de los cuentos de hadas con La Bête, una colección que tomaba como referencia el universo de La bella y la bestia, de Jean Cocteau. Santi Mozas exploró esas fronteras a través de siluetas teatrales, volúmenes exagerados y una mezcla de texturas que acentuaba el carácter fantástico de la propuesta. El romanticismo convivía con elementos inquietantes en una colección que jugaba con la transformación y reivindicaba el atractivo de aquello que escapaba a las convenciones.

En el caso de Aleixandri Studio, esa fascinación por lo extraño se desplazó hacia quienes habían sido relegados a los márgenes. En CIRCA, Marc Aleixandri recuperó el imaginario de los freak shows y los club kids para cuestionar los límites de la normalidad. La corsetería, las referencias a la ortopedia victoriana y los códigos de la cultura club dieron forma a una propuesta en la que la diferencia dejaba de ser motivo de exclusión para convertirse en motivo de orgullo.

Vestir en un mundo en crisis

¿Qué permanece cuando todo lo demás ha quedado atrás? Esa era la cuestión que planteaba SOHUMAN en Chapter 6, una colección que encontraba en el básico una respuesta al desarraigo. Javier Aparici partió de prendas esenciales para explorar la experiencia migratoria y la búsqueda de identidad. La investigación textil ocupó un lugar central en la colección: los biotextiles elaborados a partir de recursos naturales, las texturas orgánicas y las estructuras celulares llevaban estas piezas cotidianas a un terreno donde convergían tecnología, sostenibilidad y artesanía.

Por otro lado, CRYPTA exploró el camino contrario: utilizó las prendas para hablar de las marcas que deja el conflicto. En Fallen Bodies, Florencia López Cornejo trasladó esa tensión al cuerpo mediante tejidos rasgados, estructuras que parecían ceder y referencias a vendajes y cicatrices. La ropa dejó de ser una simple protección para convertirse en el reflejo de un proceso de desgaste y vulnerabilidad.

La necesidad de encontrar respuestas en un mundo incierto también atravesó las colecciones masculinas de David Catalán y L’AMAR. En CRISIS, el primero recurrió a la estética de los equipos de protección vintage y la ropa de seguridad costera para armar una propuesta funcional, gobernada por los tejidos técnicos. Mucho más conceptual, la firma masculina L’AMAR viajó en su colección a los años treinta y cuarenta para recuperar la historia de quienes, lejos del frente, arriesgaron sus vidas para proteger el patrimonio artístico español, como el Guernica, convirtiéndolo en estampados.

Reinventar lo que ya existe

Nuestro armario es un reflejo de quiénes somos y de quiénes hemos sido. ¿Qué hacemos con las prendas que ya no encajan con nosotros? En VOLVER — A Study in Desire, Louis Gabriel Nouchi recuperó prendas de colecciones anteriores y las combinó para crear nuevas siluetas inspiradas en el cine de Pedro Almodóvar, sus colores intensos y sus personajes cargados de emoción. Las piezas cambiaban de significado al entrar en nuevas combinaciones, en un ejercicio que cuestionaba la necesidad de producir constantemente novedades.

BOLTAD llevó esa idea de transformación al terreno de la identidad. En Billy I El Hermoso, Alberto Martín Pozo reunió prendas heredadas de otras etapas, símbolos sacados de contexto y detalles aparentemente inconexos para explorar la reencarnación como una forma de seguir siendo uno mismo. La ironía y el humor, dos señas de identidad de la firma, atravesaron una colección en la que el pasado no desaparecía, sino que se mezclaba con el presente y adquiría nuevas lecturas.

La cuestión se volvió más íntima en PAT EQUILUX. En The Building of Unlived Lives (El edificio de las vidas no vividas), Patricia Fernández Iñesta indagó en las versiones de nosotros mismos que dejamos atrás y en las decisiones que dan forma a nuestra historia. Criada en Elda, en una familia de tradición zapatera, la diseñadora trasladó esa herencia artesanal a una sastrería de líneas limpias, tonos contenidos y texturas envolventes. El upcycling de excedentes textiles locales acompañó una reflexión sobre lo que pudo haber sido y las posibilidades que aún quedaban por explorar.

Esta edición de 080 Barcelona Fashion ha contado con el respaldo de siete patrocinadores y diez colaboradores. Entre los patrocinadores figuran Port Vell y Marina Vela (espacio oficial), MAC Cosmetics (maquillaje oficial), Wella (peluquería oficial), Hotel ME (hotel oficial), EBRO (socio de movilidad oficial) y Losberger De Boer (arquitectura efímera). Por su parte, los colaboradores son Thuya Professional Line (manicura oficial), Rowenta (planchado e higienización oficial), Cointreau (licor oficial), La Dama (restaurante oficial), Corma y Jardinarium (plantas vivas oficiales), AquaService (agua oficial), Born Rosé Barcelona (vino oficial), Vermut Miró (vermut oficial), Girbau LAB y la Agència de Residus de Catalunya, ambos colaboradores del desfile de 080 Reborn, y Grosso Napoletano (restaurante oficial).